История развития живописи

История живописи-это нескончаемая цепь, которая началась с самых первых когда-либо сделанных картин. Каждый стиль https://topkartin.ru вырастает из стилей, которые были до него. Каждый великий художник добавляет к достижениям более ранних художников и влияет на более поздних художников.

Мы можем наслаждаться картиной только из-за ее красоты. Его линии, формы, цвета и композиция (расположение частей) могут обратиться к нашим чувствам и задержаться в нашей памяти. Но наслаждение искусством возрастает по мере того, как мы узнаем, когда, почему и как оно было создано.

Картина всегда что-то описывает. Он может описывать впечатление художника от сцены или человека. Она также описывает чувства художника по отношению к самому искусству живописи. Предположим, например, что художник рисует картину Рождения Венеры, римской богини любви-предмет, который использовался много раз. Зритель может не узнать ничего нового о предмете из более поздней версии, которая не могла быть изучена от более старой. Почему же тогда художники утруждают себя тем, чтобы снова изобразить одну и ту же сцену? Ответ заключается в том, что они хотят рассказать нам что-то новое о том, как можно нарисовать сцену. В каком-то смысле художник говорит: «Я нарисовал Рождение Венеры так, как до меня ее не рисовал ни один другой художник.»Художник не только изображает Рождение Венеры, но и делает заявление о самом искусстве живописи.

Многие факторы повлияли на историю живописи. География, религия, национальные особенности, исторические события, разработка новых материалов—все это помогает сформировать видение художника. На протяжении всей истории живопись отражала меняющийся мир и наши представления о нем. В свою очередь, художники предоставили некоторые из лучших записей развития цивилизации, иногда раскрывая больше, чем написанное слово.

Доисторическая Живопись
Пещерные жители были самыми ранними художниками. Цветные рисунки животных, датируемые примерно 30 000-10 000 годами до н. э., были найдены на стенах пещер в южной Франции и Испании. Многие из этих рисунков удивительно хорошо сохранились, потому что пещеры были запечатаны в течение многих веков. Ранние люди рисовали диких животных, которых они видели вокруг себя. Очень грубые человеческие фигуры, нарисованные в реалистичных положениях, были найдены в Африке и Восточной Испании.

Пещерные художники заполнили стены пещеры рисунками в богатых, ярких цветах. Некоторые из самых красивых картин находятся в пещере Альтамира, в Испании. Одна деталь показывает раненого бизона, уже не способного стоять—вероятно, жертву охотника. Он окрашен в красновато-коричневый цвет и очерчен просто, но умело в черном цвете. Пигментами, использованными пещерными художниками, были земляные охры (оксиды железа, изменяющиеся в цвете от светло-желтого до темно-оранжевого) и марганец (металлический элемент). Они были измельчены в мелкий порошок, смешаны с жиром (возможно, животным жиром) и нанесены с помощью какой-то щетки. Иногда пигменты использовались в палочках, как цветные карандаши. Смазка, смешанная с порошкообразными пигментами, заставляла красочную жидкость и частицы пигмента прилипать друг к другу. Пещерные жители, должно быть, делали кисти из волосков животных или растений, а также острые инструменты из кремня для рисования и царапания линий.

Еще 30 000 лет назад люди изобрели основные инструменты и материалы для живописи. Техника и материалы были усовершенствованы и усовершенствованы в последующие столетия. Но открытия пещерного жителя остаются основными для живописи.

Египетская и Месопотамская живопись (3400-332 гг. до н. э.)
Одна из первых цивилизаций была развита в Египте. Из письменных источников и произведений искусства, оставленных египтянами, многое известно об их образе жизни. Они верили, что тело должно быть сохранено, чтобы душа могла жить после смерти. Великие пирамиды были сложными гробницами для богатых и могущественных египетских правителей. Большая часть египетского искусства была создана для пирамид и гробниц царей и других важных людей. Чтобы быть абсолютно уверенными в том, что душа будет продолжать существовать, художники вырезали из камня изображения умершего человека. Они также зафиксировали сцены из жизни человека на настенных росписях в погребальных камерах.

Египетская техника живописи оставалась неизменной на протяжении веков. В одном способе акварельную краску наносили на глиняно-штукатурные или известняковые стены. В другом процессе контуры были вырезаны в каменных стенах,а рисунки раскрашены акварельными красками. Материал, называемый гуммиарабиком, вероятно, использовался для того, чтобы краска прилипала к поверхности. К счастью, сухой климат региона и запечатанные гробницы не позволили некоторым из этих акварельных картин быть уничтоженными сыростью. Хорошо сохранился ряд сцен охоты со стен гробниц в Фивах около 1450 года до н. э. На них изображены охотники, выслеживающие птиц или ловящие копьями рыбу самых разных видов. Эти сорта до сих пор можно идентифицировать, потому что они были так точно и тщательно окрашены.

Месопотамская цивилизация, просуществовавшая с 3200 по 332 год до н. э., располагалась в долине между реками Тигр и Евфрат на Ближнем Востоке. Месопотамцы строили в основном из глины. Поскольку глина размягчается дождем, их здания рассыпались в пыль, разрушая любые настенные картины, которые там могли быть. Сохранилась лишь декорированная керамика (расписная и обожженная керамика) и красочные мозаики. Хотя мозаики не следует считать живописью, они часто оказывали влияние на формы живописи.

Египетская и Месопотамская живопись (3400-332 гг. до н. э.)
Одна из первых цивилизаций была развита в Египте. Из письменных источников и произведений искусства, оставленных египтянами, многое известно об их образе жизни. Они верили, что тело должно быть сохранено, чтобы душа могла жить после смерти. Великие пирамиды были сложными гробницами для богатых и могущественных египетских правителей. Большая часть египетского искусства была создана для пирамид и гробниц царей и других важных людей. Чтобы быть абсолютно уверенными в том, что душа будет продолжать существовать, художники вырезали из камня изображения умершего человека. Они также зафиксировали сцены из жизни человека на настенных росписях в погребальных камерах.

Египетская техника живописи оставалась неизменной на протяжении веков. В одном способе акварельную краску наносили на глиняно-штукатурные или известняковые стены. В другом процессе контуры были вырезаны в каменных стенах,а рисунки раскрашены акварельными красками. Материал, называемый гуммиарабиком, вероятно, использовался для того, чтобы краска прилипала к поверхности. К счастью, сухой климат региона и запечатанные гробницы не позволили некоторым из этих акварельных картин быть уничтоженными сыростью. Хорошо сохранился ряд сцен охоты со стен гробниц в Фивах около 1450 года до н. э. На них изображены охотники, выслеживающие птиц или ловящие копьями рыбу самых разных видов. Эти сорта до сих пор можно идентифицировать, потому что они были так точно и тщательно окрашены.

Месопотамская цивилизация, просуществовавшая с 3200 по 332 год до н. э., располагалась в долине между реками Тигр и Евфрат на Ближнем Востоке. Месопотамцы строили в основном из глины. Поскольку глина размягчается дождем, их здания рассыпались в пыль, разрушая любые настенные картины, которые там могли быть. Сохранилась лишь декорированная керамика (расписная и обожженная керамика) и красочные мозаики. Хотя мозаики не следует считать живописью, они часто оказывали влияние на формы живописи.

Эгейская цивилизация (3000-1100 до н. э.)
Третьей великой древней культурой была Эгейская цивилизация, возникшая на островах у берегов Греции и на полуострове Малая Азия. Эгейцы жили примерно в то же время, что и древние египтяне и месопотамцы.

В 1900 году археологи приступили к раскопкам дворца царя Миноса в Кноссе на острове Крит. В ходе раскопок были обнаружены произведения искусства, написанные около 1500 года до н. э. В необычно свободном и изящном для того времени стиле. Очевидно, критяне были беззаботными, любящими природу людьми. Среди их любимых тем в искусстве были морская жизнь, животные, цветы, спортивные игры и процессии. В Кноссе и других Эгейских дворцах на влажных оштукатуренных стенах были сделаны картины с красками, сделанными из минеральных веществ, песка и земли ochers. Краска впиталась в мокрую штукатурку и стала постоянной частью стены. Этот вид живописи позже был назван фреской, итальянское слово, означающее «свежий» или » новый.- Критяне любили ярко-желтый, красный, синий и зеленый цвета.

Греческая и Римская классическая живопись (1100 г. до н. э.-400 г. н. э)
Древние греки украшали свои храмы и дворцы фресками (настенными росписями). Мы можем сказать из древних литературных источников и из римских копий греческого искусства, что греки писали небольшие картины и делали мозаики. Имена греческих мастеров живописи и кое-что из их жизни и работ также известны, хотя очень мало греческая живопись пережила последствия времени и войн. Греки мало что рисовали в гробницах,поэтому их работы не были защищены.

Расписные вазы-это почти все, что осталось от греческой живописи. Гончарное производство было крупной отраслью промышленности в Греции, особенно в Афинах. Контейнеры пользовались большим спросом для экспорта, например масла и меда, а также для бытовых целей. Самый ранний стиль вазовской живописи был известен как геометрический стиль (1100-700 до н. э.). Вазы были украшены полосами геометрических фигур и человеческих фигур в коричневой глазури на светлой глине. К VI веку вазописцы стали использовать черно-фигурный стиль, в котором человеческие фигуры были написаны черным цветом на натуральной красной глине. Детали были вырезаны в глине острым инструментом. Это позволяло красному под ним просвечивать.

Красно-фигурный стиль в конечном итоге заменил черный. Это как раз наоборот: цифры красные, а фон черный. Преимуществом этого стиля было то, что художник мог использовать кисть, чтобы сделать контуры. Кисть дает более свободную линию, чем металлический инструмент, используемый в черных фигурных вазах.

Римские фрески были найдены главным образом на виллах (загородных домах) Помпеи и Геркуланума. В 79 году эти два города были полностью погребены извержением вулкана Везувий. Археологи, которые раскопали этот район, смогли многое узнать о жизни древних римлян из этих городов. Почти в каждом доме и на каждой вилле Помпеи висели картины. Римские художники тщательно подготовили поверхность стены, применив смесь мраморной пыли и штукатурки. Они кладут смесь дальше в слои и отполировали ее к marblelike отделке. Многие из картин являются копиями 4-го века до нашей эры. Греческие картины. Изящные позы фигур, нарисованных на стенах виллы тайн в Помпеях, вдохновили художников XVIII века, когда город был раскопан.

Греки и римляне тоже писали портреты. Небольшое их количество, в основном портреты мумий, выполненные в греческом стиле египетскими художниками, сохранились в окрестностях Александрии, на севере Египта. Основанная в 4 веке до н. э. Александром Македонским в Греции, Александрия стала ведущим центром греческой и римской культуры. Портреты мумий были написаны в энкаустической технике на дереве и вставлялись в саркофаги после смерти изображенного человека. Энкаустические картины, выполненные красками, смешанными с расплавленным пчелиным воском, длятся очень долго. Действительно, портреты мумий до сих пор выглядят свежими, хотя они были сделаны еще во 2 веке до нашей эры

Раннехристианская и Византийская живопись (300-1300 гг. н. э.)
Римская империя начала приходить в упадок в IV веке н. э. одновременно набирало силу христианство. В 313 году римский император Константин дал религии официальное признание и сам стал христианином.

Подъем христианства сильно повлиял на искусство. Художникам было поручено украсить стены храмов фресками и мозаиками. Они делали панельные картины в церковной часовне и иллюстрировали и украшали книги Церкви. Под властью церкви художники должны были донести учение христианства как можно яснее.

Ранние христиане и византийские художники продолжили технику мозаики, которой они научились у греков. Маленькие плоские кусочки цветного стекла или камня вставлялись во влажный цемент или штукатурку. Иногда использовались и другие твердые материалы, такие как кусочки обожженной глины или ракушки. В итальянских мозаиках цвета особенно глубокие и насыщенные. Итальянские художники сделали фон из кусочков позолоченного стекла. Они ярко выделяли человеческие фигуры на фоне сверкающего золота. Общий эффект плоский и декоративный, а не реалистичный.

Мозаики византийских художников часто были менее реалистичными и более декоративными, чем у ранних христиан. «Византийский» — это название, данное стилю искусства, который развивался вокруг древнего города Византия (ныне Стамбул, Турция). Техника мозаики идеально подходила византийскому вкусу Для великолепно украшенных храмов. Знаменитые мозаики Феодоры и Юстиниана, сделанные около 547 года н. э., демонстрируют вкус к богатой экспозиции. Ювелирные украшения на фигурах блестят, а ярко окрашенные придворные платья расположены на блестящем золотом фоне. Византийские художники также широко использовали золото во фресках и панно. Золото и другие драгоценные материалы использовались на протяжении всего Средневековья, чтобы отделить духовные предметы от повседневного мира.

Средневековая Живопись (500-1400)
Первая часть Средневековья, приблизительно с 6-го по 11-й века нашей эры, обычно называется Темными веками. В это неспокойное время искусство поддерживалось главным образом в монастырях. В V веке н. э. по континенту бродили варварские племена из Северной и Центральной Европы. На протяжении сотен лет они доминировали в Западной Европе. Эти люди создали искусство, которое имеет сильный акцент на шаблон. Особенно им нравились рисунки переплетающихся драконов и птиц.

Лучшие образцы кельтского и саксонского искусства можно найти в рукописях 7-го и 8-го веков. Книжная иллюминация и миниатюрная живопись, практикуемая с позднеримских времен, усилилась в Средние века. Подсветка — это оформление текста, заглавные буквы и поля. Были использованы золото, серебро и яркие цвета. Миниатюра — это небольшая картина, часто портрет. Первоначально этот термин использовался для описания декоративного блока вокруг начальных букв в рукописи.

Карл Великий, который был коронован императором Священной Римской Империи в начале IX века, попытался возродить классическое искусство позднего римского и раннего христианского периодов. В годы его правления художники миниатюры подражали классическому искусству, но они также передавали личные чувства о своих подданных.

Очень мало настенной живописи сохранилось от Средних веков. В церквях, построенных в романский период (11-13 вв.), сохранилось несколько больших серий фресок, но большинство из них уже исчезло. Церкви готического периода (XII-XVI вв.) не имели достаточного стенного пространства для настенной росписи. Книжная иллюстрация была главной работой готического живописца.

Среди лучших иллюстрированных манускриптов были книги часов-собрания календарей, молитв и псалмов. На странице из итальянской рукописи изображены искусно украшенные инициалы и тонко детализированная маргинальная сцена убийства дракона Святым Георгием. Цвета здесь сверкают и похожи на драгоценные камни, как в витражах, а золото мерцает над страницей. Текст обрамляют изысканно нежные узоры из листьев и цветов. Художники, вероятно, использовали увеличительные стекла, чтобы сделать такую сложную работу.

Италия: Чимабуэ и Джотто
Итальянские художники в конце 13-го века все еще работали в византийском стиле. Человеческие фигуры были сделаны, чтобы казаться плоскими и декоративными. Лица редко имели какое-либо выражение. Тела были невесомы и, казалось, скорее плыли, чем твердо стояли на земле. Во Флоренции художник Чимабуэ (1240?-1302?) пытались модернизировать некоторые старые византийские методы. Ангелы в его Мадонне на троне более активны, чем обычно в картинах того времени. Их жесты и лица выражают чуть больше человеческих чувств. Чимабуэ добавил к своим картинам новое ощущение монументальности или широты. Однако он продолжал следовать многим византийским традициям, таким как золотой фон и узорное расположение предметов и фигур.

Это был великий Флорентийский художник Джотто (1267?-1337), который фактически порвал с византийской традицией. Его фресковая серия в Капелле Арены в Падуе оставляет византийское искусство далеко позади. В этих сценах из жизни Марии и Христа есть подлинное волнение, напряжение и натурализм. Здесь присутствуют все качества человеческой теплоты и сочувствия. Люди вовсе не кажутся нереальными или небесными. Джотто затенил контуры фигур, и он поместил глубокие тени в складки их одежды, чтобы дать ощущение округлости и солидности.

Для своих небольших панелей Джотто использовал чистую яичную темперу, среду, которая была усовершенствована флорентийцами 14-го века. Ясность и яркость его цветов, должно быть, сильно повлияли на людей, привыкших к более темным цветам византийских панелей. Темперные картины создают впечатление, что на сцену падает мягкий дневной свет. Они имеют почти плоский внешний вид в отличие от глянца масляных картин. Яичная темпера оставалась главным средством живописи до тех пор, пока масло почти полностью не заменило ее в 16 веке.

Позднесредневековая живопись севернее Альп
В начале XV века художники в Северной Европе работали в стиле, совершенно отличном от итальянской живописи. Северные художники достигли реализма, добавив бесчисленные детали к своим картинам. Каждый волосок был изящно очерчен,и каждая деталь драпировки или узора пола была точно записана. Изобретение масляной живописи сделало ее легче рисовать детали.

Фламандский художник Ян ван Эйк (1370?-1441) способствовал развитию масляной живописи. При использовании темперы цвета должны быть нанесены отдельно. Они не могут затенять друг друга очень хорошо, потому что краска быстро высыхает. С маслом, которое высыхает медленно, художник может добиться более сложных эффектов. Ростовщик и его жена Квентин Массис (1466?-1530) было сделано в технике фламандского масла. Все детали, и даже зеркальное отражение, ясны и точны. Цвет сильный и имеет твердую, эмалеобразную поверхность. Деревянная панель, на которой была сделана картина, была подготовлена во многом так же, как Джотто готовил свои панели для темперы. Ван Эйк создал картину в слоях тонкого цвета, называемых глазурью. Темпера, вероятно, использовалась в оригинальной подкраске и для подсветки.

Итальянская Живопись Эпохи Возрождения
В то же самое время, когда ван Эйк работал на севере, итальянцы вступали в золотой век искусства и литературы. Этот период называется Ренессансом, что означает возрождение, или возрождение. Итальянские художники вдохновлялись скульптурой древних греков и римлян. Итальянцы хотели возродить дух классического искусства, прославляющего человеческую независимость и благородство. Художники эпохи Возрождения продолжали рисовать религиозные сюжеты. Но они подчеркивали земную жизнь и достижения людей.

Флоренция
Достижения Джотто в начале 14-го века заложили основу Ренессанса. Итальянские художники пятнадцатого века продолжили это движение. Мазаччо (1401-28) был одним из лидеров первого поколения художников эпохи Возрождения. Он жил во Флоренции, богатом торговом городе, где началось искусство эпохи Возрождения. К моменту своей смерти в возрасте около тридцати лет он произвел революцию в живописи. В его знаменитой фреске дань деньги он помещает твердые скульптурные фигуры в пейзаж, который, кажется,уходит далеко назад. Мазаччо, возможно, узнал перспективу от Флорентийского архитектора и скульптора Брунеллески (1377?-1446).

Техника фрески была очень популярна в эпоху Возрождения. Это было особенно подходит для больших настенных росписей, потому что цвета высыхают идеально плоские. Изображение можно рассматривать под любым углом без бликов или отражений. Также имеются фрески. Обычно у художников было несколько помощников, которые помогали им. Работы завершались секциями, потому что их нужно было закончить, пока штукатурка была еще мокрой.

Полный трехмерный стиль Мазаччо был типичен для нового прогрессивного направления XV века. Стиль Фра Анджелико (1400?-1455) представляет собой более традиционный подход, используемый рядом художников раннего Возрождения. Он был меньше озабочен перспективой и больше интересовался декоративным рисунком. Его коронация Девы Марии является примером темперной живописи в самом прекрасном ее проявлении. Веселые, насыщенные цвета установлены на золотом фоне и акцентированы с оттенками золота. Картина выглядит как сильно увеличенная миниатюрная картина. Длинные, узкие фигуры имеют мало общего с Мазаччо. композиция организована в широких линиях движения, кружащихся вокруг центральных фигур Христа и Марии.

Еще одним флорентийцем, работавшим в традиционном стиле, был Сандро Боттичелли (1444?-1510). Плавные, ритмичные линии соединяют секции «Примаверы» Боттичелли . Фигура весны, несомая западным ветром, проносится справа. Три грации танцуют по кругу, трепещущие складки их платьев и грациозные движения их рук выражают ритмы танца.

Знаменитый художник Леонардо да Винчи (1452-1519) изучал живопись во Флоренции. Он известен своими научными исследованиями и изобретениями, а также своими картинами. Очень немногие из его картин сохранились, отчасти потому, что он часто экспериментировал с различными способами изготовления и нанесения краски, а не с использованием испытанных и истинных методов. Тайная вечеря (написанная между 1495 и 1498 годами) была сделана маслом, но, к сожалению, Леонардо нарисовал ее на влажной стене, что вызвало трещину краски. Даже в своем плачевном состоянии картина обладает силой вызывать эмоции у всех, кто ее видит.

Одной из отличительных черт стиля Леонардо был его метод живописи света и тьмы. Итальянцы называли его полутемное освещение сфумато, что означает дымчатый, или туманный. Фигуры в Мадонне скал окутаны атмосферой сфумато. Их формы и особенности мягко затенены. Леонардо достиг этих эффектов, используя очень тонкие градации светлых и темных тонов.

Рим
Кульминация ренессансной живописи пришлась на 16 век. В то же время центр искусства и культуры переместился из Флоренции в Рим. При папе Сиксте IV и его преемнике Юлии II Рим был великолепно украшен художниками эпохи Возрождения. Некоторые из самых амбициозных проектов этого периода были начаты во времена папства Юлия II. Юлий поручил великому скульптору и художнику Микеланджело (1475-1564) расписать потолок Сикстинской капеллы и вырезать скульптуру для гробницы Папы Римского. Юлий также пригласил художника Рафаэля (1483-1520) помочь с украшением Ватикана. С помощниками Рафаэль расписал фресками четыре комнаты папских апартаментов в Ватиканском дворце.

Микеланджело, флорентиец по рождению, разработал монументальный стиль живописи. Фигуры на его картине настолько твердые и трехмерные, что они выглядят как скульптура. Сикстинский потолок, который Микеланджело довел до конца за 4 года, состоит из сотен человеческих фигур из Ветхого Завета. Чтобы нарисовать эту огромную фреску Микеланджело пришлось лежать на спине на лесах. Задумчивое лицо Иеремии среди пророков, которые окружают потолок, по мнению некоторых людей, является его автопортретом.

Рафаэль приехал во Флоренцию из Урбино совсем молодым человеком. Во Флоренции он впитал идеи Леонардо и Микеланджело. К тому времени, когда Рафаэль отправился в Рим, чтобы работать в Ватикане, его стиль стал одним из самых красивых. Он особенно любим за свои прекрасные картины Мадонны с младенцем. Они были воспроизведены тысячами и могут быть замечены повсюду. Его Madonna del Granduca успешна из-за своей полной простоты. Вневременной в своей миролюбивости и чистоте, он так же привлекателен для нас, как и для итальянцев времен Рафаэля.

Венеция
Венеция была главным Северным итальянским городом эпохи Возрождения. Его посетили художники из Фландрии и других регионов, знавшие об экспериментах фламандцев с масляной краской. Это стимулировало раннее использование нефтяного метода в итальянском городе. Венецианцы также писали на плотно натянутом холсте, а не на деревянных панелях, обычно используемых во Флоренции.

Giovanni Bellini (1430?-1516) был величайшим Венецианским живописцем 15-го века. Он также был одним из первых итальянских художников, которые использовали масло на холсте. Джорджоне (1478?-1511) и Тициан (1488?-1576), который является самым известным из всех венецианских художников, были студентами в мастерской Беллини.

Мастер масляной техники, Тициан писал огромные полотна в теплых, насыщенных тонах. В своих зрелых картинах он приносил детали в жертву всеобъемлющему эффекту всей картины, как в Пезарской Мадонне . Он использовал большие кисти, чтобы делать широкие мазки. Его краски особенно богаты, потому что он терпеливо наращивал глазурь контрастных цветов. Обычно глазурь наносили поверх коричневой темперной Земли, что придавало картине единый тон.

Еще одним великим Венецианским художником XVI века был Тинторетто (1518-1594). В отличие от Тициана, он обычно работал непосредственно на холсте, не делая предварительных набросков или подрисовок. Он часто искажал свои формы (выворачивал их из формы) ради композиции и драматизма сцены. Его техника, включающая широкие мазки кисти и драматические контрасты света и тьмы, кажется очень современной.

Художник Кириакос Феотокопулос (1541-1614) был известен как Эль Греко («грек»). Родившись на острове Крит, который был оккупирован Венецианской армией, Эль Греко прошел обучение у итальянских художников. В молодости он отправился учиться в Венецию. Совокупное влияние византийского искусства,которое он видел вокруг себя на Крите,и итальянского ренессансного искусства сделало работы Эль Греко выдающимися.

В своих картинах он искажал природные формы и использовал еще более странные, неземные цвета, чем Тинторетто, которым он восхищался. Позже Эль Греко переехал в Испанию, где мрачность испанского искусства повлияла на его работу. В его драматическом взгляде на Толедо буря бушует над мертвой тишиной города. Холодные голубые, зеленые и бело-голубые цвета бросали холодную тень на ландшафт.

Ренессанс во Фландрии и Германии
Золотым веком живописи во Фландрии (ныне часть Бельгии и Северной Франции) был 15 век, время ван Эйка. В XVI веке многие Фламандские художники подхватили открытия итальянских художников эпохи Возрождения. Однако некоторые фламандцы продолжали фламандскую традицию реализма. Они рисовали жанровые сцены из повседневной жизни, которые часто были очаровательными, а иногда и фантастическими. Hieronymus Bosch (1450?-1516), который предшествовал жанру живописцев, обладал необычайно живым воображением. Для искушения Святого Антония он изобрел всевозможные причудливые, гротескные существа. Питер Брейгель Старший (1525?-69) также работал в фламандской традиции, но добавил перспективу и другие ренессансные характеристики к своим жанровым сценам.

Albrecht Dürer (1471-1528), Hans Holbein the Younger (1497?-1543), и Лукас Кранах Старший (1472-1553) были тремя наиболее важными немецкими художниками 16-го века. Они многое сделали для того, чтобы смягчить мрачный реализм ранней немецкой живописи. Дюрер совершил по меньшей мере один визит в Италию, где был впечатлен картинами Джованни Беллини и других северных итальянцев. Из этого опыта он привнес в немецкую живопись знание перспективы, чувство цвета и света, а также новое понимание композиции. Гольбейн впитал в себя еще больше итальянских достижений. Его чуткий рисунок и умение подбирать только самые важные детали сделали его мастером портретного искусства.

Барочная Живопись
17 век вообще известен как период барокко в искусстве. В Италии художники Караваджо (1571-1610) и Аннибале Карраччи (1560-1609) представляли две противоположные точки зрения. Караваджо (чье настоящее имя было Микеланджело Меризи) всегда писал прямо с натуры. Одна из его главных забот состояла в том, чтобы как можно точнее копировать природу, не прославляя ее никоим образом. Караччи же, напротив, следовал идеалу красоты эпохи Возрождения. Он изучал античную скульптуру и произведения Микеланджело, Рафаэля и Тициана. Стилем Караваджо восхищались многие художники, особенно испанцы Рибера и молодой Веласкес. Картина Карраччи вдохновила Николя Пуссена (1594-1665), крупного французского живописца 17-го века.

Испания
Диего Веласкес (1599-1660), придворный художник короля Испании Филиппа IV, был одним из величайших испанских живописцев. Поклонник творчества Тициана, он был мастером в использовании богатого, гармоничного цвета. Ни один художник не смог бы лучше создать иллюзию богатых тканей или человеческой кожи. Портрет маленького принца Филиппа Проспера показывает это умение с большой пользой. Его замечательной кистью восхищались французские импрессионисты XIX века.

Фландрия
Картины фламандского художника Петра Пауля Рубенса (1577-1640) представляют собой полномасштабный барочный стиль. Они взрываются энергией, цветом и светом. Рубенс порвал с фламандской традицией писать маленькие, детальные картины. Его огромные полотна были заполнены человеческими фигурами. За большие картины ему давали гораздо больше заказов, чем он мог бы выполнить. Поэтому он часто рисовал только небольшой цветной эскиз. Затем его помощники перенесли набросок на большое полотно и под руководством Рубена завершили работу над картиной.

Голландия
Достижения голландского художника Рембрандта (1606-1669) являются одними из самых выдающихся в истории. У него был замечательный дар улавливать человеческие эмоции. Подобно Тициану, он долго работал над созданием картины во многих слоях. Земные цвета-желтый охра, коричневый и коричнево-красный — были его любимыми цветами. Его картины в основном темные по тону и имеют много очень темных областей. Богатые значения этих темных областей, созданных со многими слоями цвета, делают его технику необычной. Важные разделы его картин драматически освещены ярким светом.

Ян Вермеер (1632-1675) был одним из группы голландских художников, которые рисовали скромные сцены повседневной жизни. Он был мастером в создании всевозможных текстур-атлас, персидские ковры, хлебные корки, металл. Общее впечатление от интерьера Vermeer-это солнечная, веселая комната, наполненная заветными предметами домашнего обихода.

Живопись 18-го века
В XVIII веке Венеция произвела на свет несколько прекрасных живописцев. Самым известным был Джованни Баттиста Тьеполо (1696-1770). Он украсил интерьеры дворцов и других зданий огромными красочными фресками, представляющими сцены богатства и пышности Франческо Гуарди (1712-93) и Антонио Каналетто (1697-1768), нарисовал живописные виды, многие из которых напоминают о былой славе Венеции. Гуарди был очень искусен в обращении с кистью. С помощью нескольких цветных пятен он мог вызвать в воображении крошечную фигурку в лодке.

Франция: Стиль Рококо
Во Франции вкус к пастельным цветам и замысловатому декору привел к развитию стиля рококо в начале 18 века. Жан-Антуан Ватто (1684-1721), придворный художник короля Людовика XV, а позднее Франсуа Буше (1703-170) и Жан Оноре Фрагонар (1732-1806), были связаны с тенденцией рококо. Ватто рисовал видения сновидческой жизни, в которой все есть веселье. Есть пикники в парке или лесные вечеринки, где галантные джентльмены и элегантные дамы развлекают себя.

Другие художники XVIII века изображали сцены обычной жизни среднего класса. Как и голландец Вермеер, Жан-Батист Симеон Шарден (1699-1779) ценил простые бытовые сцены и натюрморты. По сравнению с цветами Ватто он выглядит трезвым и спокойным.

Англия
В XVIII веке англичане впервые развили особую школу живописи. Он состоял в основном из портретистов, которые были под влиянием венецианских художников эпохи Возрождения. Наиболее известны сэр Джошуа Рейнольдс (1723-1792) и Томас Гейнсборо (1727-1788). Рейнольдс, путешествовавший по Италии, был предан возрождению ренессансных идеалов живописи. Его портреты, хотя и очаровательны и трогательны, не особенно интересны ни по цвету, ни по фактуре. С другой стороны, Гейнсборо обладал талантом к блестящей работе кистью. Поверхности его картин светятся ярким цветом.

Живопись 19-го века
19-й век иногда рассматривают как период, в течение которого современное искусство начало формироваться. Одной из важных причин так называемой революции в искусстве в это время стало изобретение фотоаппарата, которое заставило художников пересмотреть назначение живописи.

Более важным событием отчасти явилось широкое использование промышленных красок. До 19-го века большинство художников или их помощников делали свои собственные краски, размалывая пигмент. Ранние коммерческие краски уступали краскам ручной работы. Художники конца 19-го века обнаружили, что темно-синие и коричневые цвета более ранних картин становились черными или серыми в течение нескольких лет. Они снова начали использовать чистые цвета. Эти художники использовали чистые цвета для того, чтобы сохранить свою работу, а иногда и потому, что они пытались более точно запечатлеть эффекты солнечного света в уличных сценах.

Англия
Хотя Франция была великим центром искусства в 1800-х годах, английские пейзажисты Джон Констебл (1776-1837) и Джозеф Мэллорд Уильям Тернер (1775-1851) внесли ценный вклад в живопись XIX века. Оба интересовались живописью света и воздуха, двумя аспектами природы, которые художники 19-го века исследовали полностью. Констебль использовал метод, известный как деление или ломаный цвет. Он поместил контрастные цвета рядом друг с другом толстыми, короткими штрихами или точками поверх основного цвета фона. Он часто использовал мастихин, чтобы нанести цвет густо. Стог Сена сделал его знаменитым, когда он был показан в Париже в 1824 году. Это простая сельская сцена из телеги с сеном (wain), пересекающей реку. Облака плывут над лугами, испещренными пятнами солнечного света. Картины Тернера более драматичны, чем у констебля. он писал величественные виды природы-штормы, морские пейзажи, сияющие закаты, высокие горы. Часто золотистая дымка частично скрывает предметы на его картинах, заставляя их казаться парящими в безграничном пространстве.

Испания: Гойя
Франсиско Гойя (1746-1828) был первым великим испанским художником, появившимся с 17 века. Как любимый художник испанского двора, он сделал много портретов королевской семьи. Королевские особы облачены в элегантные одежды и изысканные драгоценности, но на некоторых их лицах отражается лишь тщеславие и жадность. Помимо портретов, Гойя писал драматические сцены, такие как третье мая 1808 года. На этом снимке показана казнь группы испанских повстанцев французскими солдатами. Смелые контрасты света и тьмы, а также мрачные цвета, пронизанные красными брызгами, подчеркивают мрачный ужас этого зрелища.

Франция
В период правления Наполеона и французской революции во французском искусстве возникли две противоположные тенденции-классицизм и романтизм. Жак Луи Давид (1748-1825) и Жан Огюст Доминик Энгр (1780-1867) были вдохновлены древнегреческим и римским искусством и Ренессансом. Они подчеркивали рисунок и использовали цвет главным образом для помощи в создании твердых форм. Как любимый художник революционного правительства, Давид часто рисовал исторические события того периода. В своих портретах, таких как Портрет мадам Рекамье, он стремился достичь классической простоты.

Теодор Жерико (1791-1824) и романтик Эжен Делакруа (1798-1863) восстали против стиля Давида. Для Делакруа цвет был самым важным элементом в живописи, и у него не было терпения подражать классическим статуям. Вместо этого он восхищался Рубенсом и венецианцами. Он выбрал красочные, экзотические темы для своих картин, которые сверкают светом и полны движения.

Художники Барбизона также были частью общего романтического движения, которое продолжалось примерно с 1820 по 1850 год. Они работали неподалеку от деревни Барбизон на краю леса Фонтенбло. Они рисовали на улице и завершали картины в своих мастерских.

Другие художники экспериментировали с повседневной, обычной тематикой. Пейзажи Жана-Батиста Камиля Коро (1796-1875) отражают его любовь к природе, а его фигурные этюды демонстрируют своеобразное уравновешенное спокойствие. Гюстав Курбе (1819-1877) называл себя реалистом, потому что он рисовал мир таким, каким видел его-даже его суровую, неприятную сторону. Он ограничил свою палитру лишь несколькими мрачными красками, которые иногда наносил мастихином. Эдуард Мане (1832-1883) также заимствовал свой предмет из окружающего мира. Люди были шокированы его красочными контрастами и необычными приемами. Поверхности его картин часто имеют плоскую, узорчатую фактуру мазков кисти. Приемы Мане и методы записи воздействия света на форму оказали влияние на молодых художников, особенно на импрессионистов.

Работая в 1870-х и 1880-х годах, группа художников, известных как импрессионисты, хотела нарисовать природу именно такой, какой она была. Они пошли гораздо дальше констебля, Тернера и Мане в изучении цветовых эффектов света. Некоторые из них разработали научные теории цвета. Клод Моне (1840-1926) часто рисовал один и тот же вид в разное время суток, чтобы показать, как его внешний вид меняется при разных условиях освещения. Как бы то ни было, его сцены состоят из сотен крошечных мазков кисти, расположенных рядом, часто в контрастных цветах. С расстояния штрихи смешиваются, чтобы создать впечатление твердых форм. Пьер Огюст Ренуар (1841-1919) использовал технику импрессионизма, чтобы запечатлеть веселье парижской жизни. В его танце в Мулен-де-ла-Галет люди в ярко раскрашенных одеждах смешиваются и весело танцуют. Ренуар нарисовал всю картину мелкими, ровными мазками кисти. Точки и тире краски создают текстуру на поверхности картины, что придает ей особый вид единства. Толпы людей, кажется, растворяются в солнечном свете и мерцающем цвете.

Живопись 20-го века
Ряд художников вскоре стали недовольны импрессионизмом. Такие художники, как Поль Сезанн (1839-1906), считали, что импрессионизм не описывает прочность форм в природе. Сезанн любил рисовать натюрморты, потому что они позволяли ему сосредоточиться на формах фруктов или других предметов и их расположении. Предметы в его натюрмортах выглядят солидно, потому что он свел их формы к простым геометрическим фигурам. Его техника нанесения пятен краски и коротких мазков насыщенного цвета бок о бок показывает, что он многому научился у импрессионистов.

Винсент Ван Гог (1853-190) и Поль Гоген (1848-1903) выступали против реализма импрессионистов. В отличие от импрессионистов, утверждавших, что они объективно смотрят на природу, Ван Гог мало заботился о точном рисовании. Он часто искажал предметы, чтобы более образно выразить свои идеи. Он использовал импрессионистский прием помещения контрастных цветов рядом друг с другом. Иногда он выдавлял краску из тюбиков прямо на холст толстыми лентами, как на поле желтой кукурузы .

Гогену не нравились пятнистые краски импрессионистов. Он плавно наносил цвет на большие плоские участки, которые отделял друг от друга линиями или темными краями. Колоритные цивилизации тропиков представляли собой большую часть его предмета.

Метод Сезанна построения аранжировок в пространстве с помощью простых геометрических форм получил дальнейшее развитие у Пабло Пикассо (1881-1973), Жоржа Брака (1882-1963) и др. Их стиль стал известен как кубизм. Кубисты рисовали предметы так, как будто их можно было видеть сразу под несколькими углами, или как будто их разбирали и собирали заново на плоском холсте. Часто эти предметы почти ничего не напоминают в природе. Иногда кубисты вырезали фигуры из ткани, картона, обоев или других материалов и наклеивали их на холст, чтобы сделать коллаж. Текстуры были также изменены путем добавления песка или других веществ к краске. Начиная с Мане, тенденция состояла в том, чтобы уделять меньше внимания теме и больше внимания композиции и технике.

Живопись в Соединенных Штатах Америки

Американская живопись до 20-го века в основном состояла из портретов и пейзажей, основанных на европейских стилях. Многие американские художники, такие как Джеймс Эббот Макнейл Уистлер (1834-1903) и Джон Сингер Сарджент (1856-1925), жили за границей и находились под влиянием европейского искусства. Однако существовала важная группа американских жанровых художников, лучшими из которых были Уинслоу Гомер (1836-1910) и Томас Икинс (1844-1916).

В 1890-х годах группа молодых художников, известная как The Eight, во главе с Робертом Генри (1865-1929), попыталась создать искусство, которое было отчетливо американским. Джон Слоан (1871-1951) и Джордж В. Беллоуз (1882-1925) рисовали жизнь в переулках, задних дворах, гаванях и трущобах. Члены этой восьмерки помогли организовать в 1913 году оружейную выставку в Нью-Йорке. Эта выставка, проходившая в оружейном зале, объединила современное искусство из США и Европы. На этой выставке американцы впервые увидели смелое искусство кубистов и других современных европейцев.

К началу Первой мировой войны американские художники были в курсе всего, что происходило в современной европейской живописи. Но они не использовали новые идеи до тех пор, пока годы спустя. Многие художники в 1930-х годах были региональными художниками, такими как Грант Вуд (1891-1942), который писал реалистические сцены жизни на Среднем Западе.

После Второй мировой войны Соединенные Штаты стали мировым центром живописи. Аршил Горький (1904-48) и Джексон Поллок (1912-56) были одними из лидеров, которые помогли создать новый стиль под названием action painting или абстрактный экспрессионизм. Вместо того чтобы пытаться изобразить конкретные объекты, они интересовались главным образом цветом, дизайном, ритмом и новыми способами нанесения краски. Поллок экспериментировал с подбрасыванием и капанием цвета на свои полотна из палочек, погруженных в ведра с краской. Такая смелая техника является лишь одним из примеров стремления художника XX века к оригинальности и свободе самовыражения.

В начале 1960-х годов группа художников в США выступила против абстрактного экспрессионизма. Эти художники впали в другую крайность. В попытке создать искусство, выражающее дух сегодняшнего дня, они начали рисовать реалистичные картины повседневных вещей. Среди них были мишени для игры в дартс, лампочки, комиксы и уличные знаки. Новаторами в этом движении были Роберт Раушенберг (1925-2008) и Джаспер Джонс (1930-е). Рой Лихтенштейн (1923-1997), Клаас Ольденбург (1929 -) и Энди Уорхол (1928-1987) были одними из ее лидеров. Иногда его называли «попсовым» (для народного) искусства, он представлял собой фазу, через которую проходило искусство. Однако для многих людей поп-арт представлял собой приглашение хорошенько рассмотреть объекты вокруг них. Иначе рисунок на банке из-под супа или бутылке колы никогда не был бы замечен. Абстрактный экспрессионизм открыл людям разум, поп-арт открыл им глаза.

В середине 1960-х годов появились и другие виды искусства. «ОП», или оптическое искусство, было одним из них. В ОП-арте трюки, которые может сыграть наше зрение, становятся частью стиля художника. В двойной метаморфозе II Ваакова Агама, кажется, что почти вибрируют специально аранжированные картины линии и цвета.

Некоторые абстрактные художники, такие как Фрэнк Стелла (1936-й) и Элсворт Келли (1923-й), иногда формируют само полотно в виде кругов, треугольников и других форм. Используя яркие цвета, они часто наносят краску в виде жестких геометрических фигур, которые соответствуют форме холста. Итак, сегодня может быть трудно отличить живопись от скульптуры, но мы ценим чистоту цвета и взаимосвязь форм.

Сара Брэдфорд Ландау
факультет изящных искусств
Нью-Йоркский университет

Добавить комментарий